Rio de Sangue: O filme que prova que o Brasil sabe fazer cinema de ação global

 

🎧Prefere ouvir? Clique aqui para escutar a resenha em formato de Podcast!  

Historicamente, o cinema brasileiro tem sido alvo de um persistente "vira-latismo cultural", rotulado por muitos como uma produção limitada às heranças da Chanchada — com suas comédias de costumes — ou ao drama social de denúncia. Mesmo quando flertamos com o policial, como no paradigmático Tropa de Elite, a ação surgia mais como uma extensão orgânica da profissão do Capitão Nascimento do que como um imperativo estético em si. Contudo, o cenário contemporâneo, impulsionado por obras como Bacurau e Ainda Estou Aqui, demonstra que nossa sétima arte atingiu uma maturidade técnica capaz de dialogar com qualquer mercado global. É nesse vácuo de uma cultura não-bélica que surge Rio de Sangue, um filme que assume a ação como linguagem central e prova que o gênero, quando bem executado, pode ser o veículo perfeito para uma narrativa genuinamente brasileira.

A trama nos apresenta Patrícia (Giovanna Antonelli), uma policial endurecida por uma operação desastrosa em São Paulo que a deixou jurada de morte pelo narcotráfico. Em busca de uma zona de segurança e da reconstrução de laços rompidos, ela ruma para Santarém, no Pará, ao encontro de sua filha, Luiza (Alice Wegmann). Luiza é uma médica humanitária que dedica sua vida aos Munduruku, uma escolha que reflete o espelho invertido de sua mãe: ambas salvam vidas em ambientes de risco, mas por caminhos ideológicos que as fazem "não se bicar". O conflito explode quando Luiza é sequestrada por garimpeiros liderados pelo implacável Polaco (Antônio Calloni). O catalisador é urgente e pragmático: o filho de Polaco está gravemente ferido e necessita de cuidados médicos. O que se segue é uma "busca implacável" onde o instinto policial de Patrícia é a única arma contra a selvageria do garimpo ilegal.

Sob a direção de Gustavo Bonafé, a Amazônia deixa de ser o cartão-postal exótico para se tornar uma força dramática opressora. Bonafé constrói uma "estética monolítica" que evita o exotismo fácil, transformando a floresta em uma prisão labiríntica. O domínio técnico é evidente no uso de plongées e planos-sequência que evocam a fluidez de John Wick, enquanto a fotografia captura uma "melancolia letárgica" em tons de azul e verde, subitamente interrompida pelo vermelho visceral da urgência. A legitimidade desse olhar é garantida pela consultoria de lideranças indígenas como Val Mundurucu e Daniel Mundurucu, assegurando que o território seja retratado com respeito e não apenas como um pano de fundo para "brinquedos e explosões".

No campo das atuações, Giovanna Antonelli entrega uma das performances mais físicas de sua carreira, equilibrando a exaustão com uma determinação que remete a figuras como Angelina Jolie e Alicia Vikander, mas com uma densidade dramática muito nossa. Alice Wegmann constrói uma Luiza que, apesar da aparente ingenuidade corajosa, é o reflexo da teimosia da mãe — o sacrifício financeiro que Patrícia fez para a formação da filha torna-se a ironia trágica de vê-la escolhendo o perigo da mata. Já a vilania é entregue com precisão por Antônio Calloni, cujo Polaco é movido por uma obsessão patológica pelo ouro, e Felipe Simas, que interpreta seu sobrinho, Baleado, com uma agressividade animalesca que remete aos grandes antagonistas do cinema de gênero dos anos 90.

O grande diferencial narrativo, porém, reside na figura de Mário (Fidélis Baniwa). Mais do que um narrador, Mário habita uma "zona liminar": ele é uma "flecha sem rumo", um indígena contaminado pelo mundo dos brancos e pelo álcool, que busca redenção. Ao colocar um indígena como a consciência da história, Bonafé legitima a presença da narrativa naquele território, expondo a dor real da invasão e da exploração predatória. Mário é a testemunha ocular de que, enquanto forasteiros passam e retornam para suas vidas urbanas, o povo originário permanece para lidar com as cicatrizes deixadas na terra.

O roteiro equilibra com inteligência o motor dramático do reencontro familiar com a adrenalina incessante. Este é, fundamentalmente, um "cinema de corpos": suados, sujos e exauridos pelo calor e pela violência. A relação entre Patrícia e Luiza é o coração que pulsa sob o ruído das balas; uma conexão movida por traumas não resolvidos e pelo reconhecimento tardio de que ambas são feitas da mesma fibra resiliente.

Rio de Sangue é um exercício de eficiência cinematográfica que não dá um passo maior que a perna. Entrega uma aventura pragmática e emocionante, elevando o patamar do cinema de gênero nacional ao confrontar a ganância pelo "brilho do olho de Deus" — o ouro — com o valor inegociável do afeto humano. É uma convocação para valorizarmos nossa própria capacidade de criar espetáculos com alma.

(...) confrontar a ganância pelo "brilho do olho de Deus" — o ouro — com o valor inegociável do afeto humano. É uma convocação para valorizarmos nossa própria capacidade de criar espetáculos com alma.

🎙️ O Debate está aberto: O cinema nacional de ação tem força?

Muitas vezes olhamos apenas para Hollywood quando buscamos grandes blockbusters e esquecemos do potencial técnico das nossas produções. Você acha que Rio de Sangue pode abrir as portas para um mercado de ação forte e contínuo no Brasil? Qual o seu filme policial ou de sobrevivência nacional favorito?

💬 Participe nos comentários!